纯铁牙签

节目视频在此：

http://space.tv.cctv.com/video/VIDE1247650073406887

      2007年的片子了。我看完后，马上推荐给乌青。原来他早就看过了，而且在博客里还有记录。
      最近看片，总是看了一半就忍不住要睡觉，也许是很久没看到好片的缘故。
      但是这部片子，我从头到尾看下来，没有一点困意。
      因为这是一部关于逃跑家的电影。逃跑家之死。
      一个富家子弟，大学毕业，放弃了美好的前途，放弃了家庭、汽车、金钱，甚至身份证，开始一段流浪的旅程，干脆、彻底，义无反顾。最后，他被人发现死于阿拉斯加荒野中一辆废弃的公共汽车里。
      这个故事根据一个真实事件改编，据说西恩 潘为了拍这部片子，等了10年（为了得到死者父母的同意）。

     昨晚看《二十四城记》，至深夜。对于我这样的观影者，这部片子所引起的共鸣，肯定比其他人更多一些。
     电影用受访者的讲述和一个个空镜头，呈现了一座国有老企业的变迁史。这样的变迁，或者说，职工（这个词语带着明显的中国印记）对那个时代的回忆和对这个时代的体验，并不是个案。对于这些群体，这样的经历和命运，几乎是必然的。
     2002年8月，我大学毕业，21岁。在踏入社会的同时，我几乎也是不可抗拒地，进入了这样的命运之中。  
     我所在的这座企业，1960年建厂，有过辉煌一时的过去，有过经济体制转型时期痛苦的低迷。2004年，企业开始搬迁。同期进行了改制分流。这样的经历，和电影中的工厂是何等的相似。
     我切身经历了这样一个阶段。我亲眼看见老厂房里机器被搬走，厂房被拆迁。在原有的地基上，高档住宅区拔地而起。这和电影中的场景是如此相似。
     我认识很多因为企业改制回家的人。在他们的记忆里，也许有着和电影中的人们相似的场景。不管他们今后的命运如何，但至少，在那样一个特殊的时代里，他们创造了历史，这样的历史，是必须被我们铭记的。
      当然，厂房的拆掉并非意味着衰落，对于更多的企业而言，它代表着新生，代表着和历史的告别。社会在发展，我们必须这样。就像一篇影评提到的：对过去的建设和努力充满敬意，对今天的城市化进程充满理解。

      乌青的小说《唯有爬山可以阻止我对自己举起枪》字数并不多，但这次他却将它拍成了一个长达70分钟的文艺长片，而且，本片还非常国际化，主演是一个来自比利时的老外。噱头够大的吧。
      这部叫做《爬山小说》的片子将在杭州、上海等地小范围放映，大家就等着看吧。
      我为本片设计的海报：

      回顾一下，最近其实看了不少片子。从最早的《老无所依》谈起：
     《老无所依》：杀手给我留下了非常深刻的印象，相信对于你也是如此，最后，不出所料，这部片子获得了奥斯卡最佳电影、最佳导演、最佳配角等多项大奖。在乌青搞的一次有奖竞猜活动上，我赢得了1000果币大奖。
    《长江七号》：是在武汉的一家五星级影院看的。在武汉街头，我发短信问乌青：武汉有没有好点的影院推荐一下？乌青马上推荐了亚贸影城。这时候我回头一看，亚贸影城居然就在我身后。真叫一个巧啊。五星不愧是五星，票价竟高达60元。这是我有史以来看过的最贵的一场电影了。不过，遗憾的是，《长江七号》并不好看。原来，和我一样，周星驰创作的激情也消失了。
    《第一滴血4》：故事很一般，人物的塑造也很一般。不过血腥的场面还是拍得蛮恶心的，画面印象深刻。
    《颐和园》：看这部片子之前，我最期待的当然就是传说中的激情戏。看过之后，我的体会是：激情戏并不像传说中的那样激情（甚至比不上《色戒》，《色戒》激情戏中很多面部特写镜头让人浮想联翩，而《颐和园》大多采用中景俯拍，看头不大），但是片子也不像很多人所说的那样难看，也许是我很久没有看文艺片的缘故，这个片子，我倒是觉得，它的镜头语言蛮丰富的。
    《我叫刘跃进》：让人想起《疯狂的石头》，但是又不像《疯狂的石头》那样干净利落。我是说，故事本来是不错的故事，但是拍得太复杂了点儿。刘震云在片子里也露了一把脸，这个老家伙，在影视圈里已经混得游刃有余了。
    《赎罪》：我很喜欢这个片子。但它仅仅在奥斯卡获得了一个最佳配乐奖，有点亏了。起码，在摄影和剪辑上，这部片子有让我眼前一亮的感觉。

最近，忙里偷闲，看了两篇关于下雪的报道，摘录如下：

片名：Sex is Comedy
译名：性喜剧
导演/编剧：凯瑟琳·布雷亚Catherine Breillat
主演：安娜·帕里约Anne Parillaud
　　　格雷戈尔·科林Grégoire Colin
　　　罗珊娜·马奎达Roxane Mesquida
类型：喜剧
片长：92分钟
级别：待定
发行：Rézo Films（法国）
上映日期：2002年5月戛纳电影节首映

     一个一心追求完美而且带着浓郁的女权主义观念的女导演如何拍出她心目中的性爱场面？本片为我们揭示了这一点。我的关注点则是：导演如何驾驭他的影片的拍摄。
    这部电影，给了我们一些答案。

      当然，看这个片子，本来也没抱多大的期望，完全是冲着闹一闹的心态。事实果然如此。第一个短片，《误会》，滑稽是够滑稽，但刘仪伟的表演永远像他在主持《东方夜谭》的时候一样，幽默不足，滑头有余，伴之以夸张的面部表情和动作，显得肤浅之极；而第二个短片《生之欢歌》，更是惨不忍睹，撇开王学兵和范冰冰两个花瓶的糟糕表演不说，导演更是烂到一无所是，看了半天还以为是一个超长版的mv，后来一查，这个短片的导演果然是以拍mv著称的林锦和；第三个短片《山区》，有人说是《命运》全片的亮点，在我看来，片子依然相当无厘头，故事俗套无趣，葛大爷表演市井小民是很出色，但在扮演农民方面，还得多多学习；第四个短片《山难》，无聊透顶，估计是编剧绞尽脑汁后勉强交出的作业。
      综观全片，固然明星扎堆，但给人的感觉却是：原来明星也不过如此。物理学家说：给我一个支点，我可以撬起整个地球。俺说：给俺一点投资，俺也可以把电影玩得比你们好。

     在影片一开始，我就被它别具一格的摄影给迷住了。尽管是一部半个世纪以前的电影，而且是一部黑白片，但我觉得，我们中国的导演们要向这部片子学习的地方还有很多。
     以下两篇转载文章作为学习材料，可研读之。

    《雁南飞》片头欣赏
    1957年苏联电影《雁南飞》一经问世，就震动了世界影坛，并一举夺得1957年戛纳国际电影节金棕榈奖和1958年戛纳电影节摄影大奖。
　　著名画家毕加索看过影片后对该片摄影乌鲁谢夫斯基说：“这是苏联最好的影片，我100年以来就没有看到过这么好的影片。”可当时电影诞生才60多年，毕加索这么夸张地赞誉这部影片，可见该片的艺术价值及其在世界电影史上的地位是何等重要了。
　　电影诞生已经有100多年的历史了，影片《雁南飞》至今也40多年过去了，为什么人们仍在研究它、学习它?是什么原因使它具有这么强烈的影响力呢?
　　先谈一下该片产生的背景。
　　1956年苏共二十大提出了反对个人迷信，给思想界和政治界很大震动。同时，也给电影创作带来很大的变化，不仅在体裁和样式上有新的突破，而且在表现手法上也开始把普通人作为银幕的主人公。
　　《雁南飞》、《士兵之歌》、《一个人的遭遇》、《伊万的童年》等震动了世界影坛，它们均以表现小人物，通过小人物的命运表现苏联卫国战争，这是苏联电影史上一个巨大的变化，具有划时代的转折。《雁南飞》就是这类电影的开山之作。
　　《雁南飞》的片头一共11个镜头：1．男女主人公在莫斯科河畔欢跳着向画面纵深跑去(全景)。2．男女主人公在钢桥下看南飞的大雁(近景)。3．南飞的大雁(空镜头，全景)。4．同镜头2。5．一辆洒水车把男女主人公浇成水人(俯拍，全景)。6．男女主人公被水浇后的狼狈相(近景)。7．同镜头5。男女主人公无奈地离去(俯拍，全景)。8. 莫斯科红场。男女主人公背对镜头欢跳着入画，并向画面纵深跑去(仰拍，全景)。9．建筑物上的大钟(特写。大钟作衬底叠出片名、职员表)。10，在树林中，男女主人公迎着镜头跑来，又背着镜头离去(全景—近景—全景。此画面作衬底继续叠职员表)。11．男女主人公走在人行道上(全景。此画面作衬底职员表出完)。
　　下面对该片的片头进行粗浅的分析。
　　首先说片名：《雁南飞》。大雁迁徙向南飞，说的是秋季。“悲哉，秋之为气也，萧瑟兮，草木摇落而变衰”(“楚”宋玉《九辩》)。我国古代诗歌中借秋、雁抒发感情，怀念亲人的诗篇佳作很多。比如汉武帝刘彻的“秋风起兮白云飞，草木黄落兮雁南归”(《秋风辞》)，当他看到汾河南两岸草木凋落，飞雁归鸣时，不禁勾起了对“佳人”的思念。西晋诗人郭泰机的“天寒知运速，况复雁南飞”(《答傅咸》)，他通过秋季传来的阵阵凉意，来表达寒女的哀怨幽愁，借以抒发自己怀才不遇的心境。
　　看了片名，一种凄楚心寒之意向人袭来，暗示着片中人物的悲剧命运，定下了该片的情感基调。未看影片，先声夺人。
　　其次，画面造型的特点。
　　1．画面造型的绘画性。
　　《雁南飞》片头的画面造型，明显地体现出苏联早期电影运用绘画中几何构图的特点。“在早期的电影中，直线透视、构图结构和光影处理同在绘画和版画中是完全一样的”。比如，莫斯科河流形成的斜线透视(镜头1)；大桥钢架形成的三角形构图(镜头2)；大桥桥体和钢架影子形成的倒三角构图(镜头5)；人行道边沿形成的对角线构图(镜头11)等。这些画面构图结构，非常符合苏联电影理论大师库里肖夫早在无声电影时期强调的，银幕所需要的不是复杂的，而是尽可能简单明了的构图。
　　2．画面造型的暗示性。
　　经过几十年的艺术实践，苏联电影在画面造型上，不仅注意构图的简单化，更注重其内涵，更注意给人以暗示，产生隐喻，触发观众产生联想，引导并促使观众参与创作。
　　《雁南飞》的片头虽然只有十来个镜头，但基本上每个镜头都有它的暗示性比如镜头1：宽大的莫斯科河流占据画面的4／5，水平线提到画外，人物好像无路可走，给人以压抑感，暗示出男女主人公的前景不好。全片的第一个镜头就给人以不祥之兆。镜头5：桥体和钢架影子组成的巨大的倒三角构图，男女主人公站在三角形的顶端(俯拍)，极其渺小；又被洒水车浇成了落汤鸡。秋季，凉意，水浇，让人有“雪上加霜”之感。镜头8：红场上男女主人公欢跳着入画；镜头上摇，出现蓝天白云，克里姆林宫高大的红墙给人以和平、安全之感。可他们却向画面的左下角跑去，这一切美好景象好像与他俩无缘。镜头11：他们漫步在街道上，快到家了，马上就要分手了，情绪也不如前面活泼了，脸上闪现出树丛的光影，暗示着人物情绪的不稳定。
　　3．画面造型的对比性。
　　“对比”是电影艺术中常用的修辞手法。苏联早期蒙太奇时代的电影更多的是通过前后两个镜头连接的对比，产生强烈的艺术效果。而《雁南飞》片头画面的构图更多的是通过镜头内部两种事物的大小对比，给人以暗示，使人产生联想。
　　①大小对比。比如镜头1，莫斯科河占据画面的4／5，而男女主人公却只有1／5(堤岸)；宽阔的河面和跑到画面顶点的“小人儿”形成大小对比，构图极不平衡，像走进死胡同，无路可走。镜头5：巨大的桥体与钢架的影子形成倒三角形的两条边作为前景，透视出站在三角形顶端的男女主人公(俯拍)，形成大小对比；再加上洒水车从天而降的浇水，试想，已是深秋了，能不让人心寒吗?镜头8：宽阔的红场、高大的建筑、无际的天空和即将“消失”的“小人儿”也形成了大小对比。和第一个镜头遥相呼应，异曲同工。
　　②外在情绪和画面内涵的对比。镜头中的人物情绪是兴奋的，动作是跳跃的，音乐是欢快的，但和画面造型产生的压抑感，秋凉感形成了对比。尤其是莫斯科河畔和莫斯科红场的镜头，人物跳啊、蹦啊，无忧无虑，沉浸在无比的幸福之中，与画面构图的内涵对比，形成极度反差，更冲击着我们的心灵。
　　
　　《雁南飞》的片头，作为整部片子的一部分，从结构上讲，是对影片故事的铺垫。就是说这样一对相爱并有着美好未来的青年男女，将来的命运如何呢?一开始就给观众设下了悬念。
　　从以上分析可以看出，该片摄影上的最大特点，是不遵从现实生活的逻辑，不遵从自然界本身的色彩，而是创作者用强烈的主观情绪去改变现实生活，使之符合影片情绪的需要，用引导观众注意力的构图，使他们很好地看到画面中想让他们看到的东西。这就是所谓的“情绪摄影”理论。这是苏联当时提出的摄影应当“干预”生活的理论主张，这样才能更深刻地打动观众。《雁南飞》的摄影艺术就充分体现了这一主张。

黑白时空——电影《雁南飞》的镜头应用

前苏联导演卡拉托佐夫的作品《雁南飞》拍摄于1957年。黑白故事片，片长一小时三十五分，其情节用叙事学勾勒简单来说可分为三个段落：

①     X与Y（男女一号）相恋，Z单恋女一号Y却被其拒；

②     X的意外离场给Z提供了机会，Z强迫了Y，Y迫于无奈与Z结合却得不到幸福；

③     Y仍然在等待X的回归，而X有可能回来，有可能永远不会回来。

这个模式的叙事在文学、戏剧、电影史上均屡次出现或以变体的形式出现。无论《奥德修斯》，还是《魂断蓝桥》，“等待”是这一类作品最重要的母题。如果X回来了，那便是夏衍《上海屋檐下》的匡复（这个名字便意味着他一定会回来）；如果没有回，则是本片中的苏联红军鲍里斯。

从故事情节上看起来这部电影中规中矩，有一定的独立性但仍逃不出既在的抽象母题。它最值得肯定的一个方面却是其对于镜头，对于影像、光线与行进的控制。

我经常在比较电影与文学的不同。从前的观点认为电影相对文学有太大的优势：常常自己脑子里出现的美好形象转化为文字便失去了力度与美感，而单薄的文字经过色彩与音效的包裹则可以化腐朽为神奇。经过一段时间的比对之后慢慢发现，电影画面的确定性在很大程度上禁锢着受众的想象力，而文学则如天马行空不会受到任何物质上的限制——财力、人力、演员、布景、特技……通通不为必要，无论是名家签赠的精装书还是普通的印刷本（错字连篇排版恶心翻译极烂者除外），文字在引导读者想象上起到的功用却是相同的。这种不确定性无形中给了文学极大的施展空间，而电影如何利用自身的音画优势反转想象贫瘠的劣势则成为一个日渐严重的问题。

因此我们看到在电影的发展史上一些简单的，以直接叙事为基本的老影片被视为浅薄，而愈来愈多的所谓后现代主义影片开始变得难以看懂。（《去年在马里昂巴》，至今想起仍然头大不已）他们所做的无非是在打破常理的逻辑，古老的教诲告诉电影的制作者们如果墙上有一把枪那么在影片里它一定要射出子弹来，这种福尔摩斯似的逻辑看上去环环相扣，爆料之处惊险有加却又都在所想；而现代的电影却往往会打破这一表在逻辑，镜头所强调的事物并不一定是情结推动的必须却更多地用以来反应角色的情绪以及心理状态——也许枪本身并不会被用到，但它可以预示他的拥有者最终将犯下冲动的错误。含而不露则是他们的另一种手段，依托于海明威的冰山理论（《白象样的群山》、《老人与海》），影片对语言和情结进行剪辑与节减。剪辑这种拼接方式本来就是在打破一种潜在的逻辑，而现代电影的普遍观点是絮絮叨叨力叙事件的详细始末并非必要反有蛇足之嫌。

为了与纸版文学的宏大叙事比拼，电影应当由繁冗的特技场面（这只对看静态效果的观众有效——个人观点，相对于书本的浩大电影画面几乎是静止的，1秒24格的胶片能有人那光驰电掣的思维快么？）回归到更为根本的东西上来。那就是镜头细节的捕捉。如何从最简单的事件里抽象出宏大，如何在一个半小时的画面述说里描绘出荷马史诗般的壮阔，这是每一个热爱电影的人应当思考的问题。（扯远了……）

具体来看镜头。在这方面，《雁南飞》这部电影运用得非常灵活，给了人们很强的视觉冲击力，让人很难想象里面那些拥有了前卫意识的镜头竟出自1957年社会主义体制下的苏联艺术家之手。黑白色调的单一在这里没有成为一种劣势反而使一些镜头光暗分明，更具质感；唯一遗憾的是我看的配音版虽然老艺术家们很敬业很专注，但由于语境和速度的拿捏不当，仍有不少失神之处。（“大雁排成人字……有灰的，有白的，鼻子（彼此？）长长的”这是什么意思？）

①     开头 洒水车 俯瞰（后均用此种“时轴”、“事物/件”、“镜头方式”的方法表示场景）

这个镜头出现在鲍里斯与小松鼠薇洛妮卡沉浸于甜蜜爱河中的时候，出现在他们谈及其后反复提起的他们共同热爱的诗歌之后。镜头让观众从高处向下俯瞰，极具张力。在上帝的视角一切都是可以预知的。洒水车开过来，我们的主角却毫无知觉，这让我们揪心——处于恋爱中的人却往往不能发觉危险处境的存在。或者应当这么说：现实总是突如其来地造访，而我们却并不总能微笑面对。

②     11min 马尔克 桥上俯瞰

因为分身乏术，鲍里斯让堂弟马尔克代替自己去赴薇洛妮卡的约会。背叛者一出场就让人知道他是背叛者，（不是指薇洛妮卡）马尔克借机对薇罗尼卡表达爱意，他把手搭在她的手上，而她厌恶地将它重新放到他的胸前。这时的背景音乐是钢琴（马尔克是钢琴演奏者），接下来又是一个俯瞰! 薇洛妮卡离开，马尔克若有所思的靠在墙上，看着她越走越远。镜头一反常规的拉高，使前者的动与后者的静反差得以凸现，黑白色调的对比生动而清晰地表现出二者之间微妙的关系——拒斥与远离——而这种琴声与色调作为一种预见在后半段的故事中又得到了强烈的呼应。（见③）

③     40min 轰炸&强暴 闪光

薇洛妮卡父母的过世使得她只能寄居在鲍里斯家里，鲍里斯的父母全天在医院忙得脱不开身，便将她交给马尔克照顾。马尔克抱怨战争使得他不能为薇洛妮卡在柴科夫斯基剧场演奏钢琴，他再度向其示爱并再次被拒绝，因此将心中的不快发泄在雨点般的琴声中。这时候空袭开始了，城市开始振颤，琴声被轰鸣掩盖，窗外白光闪闪，薇洛妮卡吓得扑入马尔克怀中。轰炸使得马尔克这个偷安懦弱的人变得邪恶，尽管薇洛妮卡拼命地甩他耳光，可是他的眼神在明明暗暗的闪光中如同着了魔道一般，黑与白的交替使得一张张脸孔面目可憎。面对马尔克的步步逼近，薇洛妮卡最终只能垂下了无力的双手，眼里露出绝望的神色。在这个片段里闪光的效果充分将人物内心的欲望与信念展示了出来，尽管最终画面在薇洛妮卡的眼神中黯淡，可接下来的情节却是不言而喻的。

④     50min 中弹 旋转

这是本片最为著名的镜头之一，大概也是国内导演们最为熟悉的镜头。这个场景是在鲍里斯死前，由一组旋转的主观镜头组成。鲍里斯在白桦林中中弹，仰天倒地。在这一瞬间他眼中的天空、树枝连同他脑海中那些美好的记忆瞬间（比如他和维罗尼卡在螺旋形楼梯上追逐嬉戏的场景）一起旋转起来。过去、现在以及想象中的未来——叠化在一起，形成时空上的错觉，表现了鲍里斯对于生命和爱情的留恋。这个著名的镜头后来成为被国产影片借鉴最多的运用之一。

⑤     70min 奔跑 平行跟踪

这也是与上者相并列的经典镜头。薇洛妮卡在迷狂状态下跑向列车，她冲进茫茫大雪，越走越快，最后飞速跑了起来。镜头则平行地跟踪着她的运动，速度越来越快，镜头的长度渐渐缩短。在摄影机和人物之间毫不避讳的出现了黑树枝，栅栏、围墙在镜头前飞速的掠过。景别从中景、近景到大特写；镜头在主观镜头与客观镜头之间切换，鞋子、泥泞的公路、破碎的天空、前伸的双手、快速闪过参差的树枝、仰视角度压驰过来的轰鸣列车依次出现。摄影机与女主人公完全的融合，逐渐揭示了主人公的内心；摄像机的运动拍摄节奏与速度的变换，构图与超常运动的视觉效果，充分体现了薇罗妮卡企图结束自己屈辱的生命的内在情绪；景别急速变化，逐渐的深入内心；蒙太奇的剪辑随着人物的内心情绪由缓到急，形成一种节奏的冲击，树枝等主观视角画面的切入产生隐喻蒙太奇。这些都使得这个段落成为了影片声画语言特点的代表。那种音画中体现出来的紧张感、呼吸感和晕眩感强迫观众和薇洛妮卡一起经历了死前灵魂挣扎的失控状态。

放在那个时代，这组运动镜头和蒙太奇式的剪辑变化之生动是令人吃惊的。它已具备了前卫的特征，带有着强烈的试验色彩和创作者瞬间灵感的痕迹。然而在一念之间，一个孩子、一个险些丧生轮下的也叫做鲍里斯的孩子改变了薇洛妮卡的命运。他所诱发的母性使得薇洛妮卡完成了由死忘与重生的转变，镜头缓慢柔和起来，薇洛妮卡开始思考电影的母题——关于等待和时间。

⑥     一组跟随镜头的比较

a.28min 车站送行——鲍里斯

b.30min 车站送行——薇洛妮卡

c.89min 迎接凯旋——薇洛妮卡

这三个镜头均为一组跟随——前导镜头，a镜头中鲍里斯走得很慢，心怀期待希望能够见到薇罗尼卡最后一面；而b镜头薇洛妮卡则急切地害怕与他错过。广角镜头拍摄跟随她下车，她走得很急，从人群中穿过。当薇洛妮卡转身向远处跑去时，摄影机缓缓升起，画面中出现众多的群众、坦克。薇罗妮卡抛给鲍里斯的饼干掉在地上被众人踩碎，这便是她的希望终会破灭的隐喻。c镜头里与前二者别离的悲伤不同充满了胜利的鲜花与喜悦，薇洛妮卡仍然是匆匆的穿过人群，手捧鲜花寻觅着自己等待已久的爱人却终于确切的得到鲍里斯阵亡的消息。她哭了，在一片喜悦的海洋里镜头引导着她在人群中走过成为这个节日里不和谐的一流。“我们深深体会到，那些今天没有迎接到亲人的人，心里是多么悲痛。我们今后要尽一切力量，使未婚妻永远不再失去自己的未婚夫，母亲不再为自己的孩子担惊受怕。”切斯潘的话语使她重新振作了起来，她擦去眼泪，开始把鲜花分给周围的每一名英雄。大雁南飞，她的爱人没有回来，然而希望还在，她仍然在等待。

70年前的片子，在今天看来，依然充满魅力。它的轰动一时也就不足为怪了。


以下为转贴：    

如果要追溯我们今天所呼唤的“上海都市电影”这一概念的渊源，那么1937年明星公司出品的《马路天使》毫无疑问应是顶礼膜拜的经典。袁牧之导演，周璇、赵丹主演的这部电影堪称中国影史上一部完美的电影，即使在今天观赏也依然魅力逼人，尤其是影片对当时上海下层市民生活的艺术展现，在今天的意义已经超越了电影本身。

　　电影大历史：隔窗相望的爱情

　　《马路天使》在中国电影历史上声名显赫，不仅有美丽的周璇和英俊的赵丹主演，年轻导演袁牧之是上个世纪30年代中国左翼电影运动的中坚力量之一，还有摄影专家吴印咸掌机，著名的作曲家贺绿汀编曲、田汉改词的电影配乐，如此鼎盛阵容，怎能不好看？

　　普通电影观众永远是看情节的。《马路天使》除了煽情的爱情故事和悲剧结尾外，还有很多杰出细节。用现在的话说，该片成功融合了帅哥靓女、平民视角、搞笑、言情（爱情与友情）、悲情、黑帮等等元素。

　　例如影片一开始就描述了一支半中半西、不土不洋的迎亲队伍里，男主角吹奏着淌水小号混杂其中，以及他偷偷撩开花轿门帘看见一个奇形怪状女人时的喜剧场景，不仅有条不紊地介绍出了影片的主人公们，而且还充满荒诞感。随后更多的细节刻画了社会最底层众生相，却并没有无病呻吟地表现，而是通过人物的揶揄与黑色幽默的细节展现。

　　重要的是，整部电影节奏明快，细节诙谐，没有把人物塑造成“完人”，穷人也并非都能看得起并帮助身边同样命运的人。最让人吃惊的是年代久远的“吻戏”，阁楼上下两对男女的激情“吻戏”可叫人大跌眼镜，可见早期的中国电影尺度与观念皆是开放性的。

　　另外，这部电影的配乐非常棒。1936年前后，有声电影完全取代默片，完全的有声片也逐渐取代了配音片，对有声电影艺术的探索也更多地集中到了声画蒙太奇的结合上，《马路天使》的艺术贡献便集中于此。这部影片中，对白、声响、音乐和歌曲等各个因素在完整的艺术构思下已经结合成非常有效的表现手段，声音与画面的蒙太奇组合运用上可圈可点。

　　据说是导演找来两首苏州民谣，一首《哭七七》，一首《知心客》，由田汉改词、贺绿汀编曲，周璇演唱，这就是《马路天使》中的插曲《四季歌》和《天涯歌女》。后来影片上映，唱片发行，周璇登上了电影明星和歌唱家的宝座，并获得“金嗓子”的殊荣，这是后话了，且说片中周旋唱歌时，片中切换的镜头画面，简直就是我们能看到的国内最早的MTV。